-
Первые блюда (291)
-
Вторые блюда (576)
-
Гарниры и каши (36)
-
Видео рецепты (61)
Еда в искусстве
Еда и её значение в истории искусства. Статьи
Redaktor, 11 октября 2018
Еда – основа нашего существования, и всегда играла важную роль в общественной и культурной жизни. Именно поэтому она сама и практики её потребления всегда находили своё отражение в искусстве.
«Большие» темы: политика, пол, классовое разделение, религия так или иначе связаны с тем, что и как мы едим. Даже выбирая локальные продукты или игнорируя определённые марки, мы заявляем о своей позиции. Как отмечают авторы проекта Estetico, уничтожение некрасивых овощей в Европе – тоже символический акт, борьба за эстетику.
Сегодня фотография в Instagram, даже далёкая от шедевра, может рассказать нам о том, как у автора с деньгами, какие у него привычки и образ жизни. При этом скрытые смыслы в изображениях еды – не новое явление. Она неизменно была связана с эротизмом, богатством, экзотичностью и позволяла «показать то, что скрыто».
Фото: anews.com
Перенос в литературу, живопись и мозаичное искусство пиров и вакханалий имел место ещё в Древней Греции и Риме. Да и в Египте существовала традиция изображать еду на внутренних стенах погребальных камер и гробах: считалось, что рисунки будут питать умершего в его «жизни после смерти». В Средневековье и эпоху Возрождения изображение пищи приобретает символический характер, становится аллегорией для определённых ценностей и добродетелей.
Натюрморт
В XV веке художников всё больше стала вдохновлять культура Античности, а кроме того природа: натюрморт становится частью композиции картин, религиозных или светских. Но уже к XVII веку натюрморт стал самостоятельным жанром в Италии, Испании и Нидерландах.
1/2
Ван Дейк, натюрморт с фруктами, орехами и сыром, 1613 г.
Еду изображали реалистично, с множеством деталей. В авангарде были голландские и фламандские мастера, которые изображали обильные и щедрые порции. Особенно они любили дичь, птицу, омаров, моллюсков, экзотические цитрусовые фрукты, виноград. Дорогие деликатесы символизировали шикарный образ жизни, с которым мечтал отождествлять себя владелец картины.
Но иногда подобные произведения служили напоминанием о бренности роскоши или опасности чревоугодия. Одни полотна призывали к воздержанию, другие к постоянному празднику и удовольствиям. Гниющие фрукты, к примеру, могли символизировать , что «всё пройдёт» и жизнь скоротечна.
Ян Вермеер, картина «Молочница», 1658-1661 г.
Еда помогала как бы «заморозить» момент, затормозить течение времени, показать мастерство наблюдения за реальными объектами, виртуозное владение цветом и работу с формой. Так, Ян Вермеер пошел иным путём, чем его голландские современники. В своей знаменитой картине «Молочница», он использовал дорогие пигменты, богатые цвета, удивительное освещение для того чтобы показать самую простую еду – молоко и хлеб.
Еда и реальная жизнь
К концу XIX века художники стали всё больше обращаться к изображению людей, которые едят или общаются, сидя за столом. Например, картина «Едоки картофеля» Винсента Ван Гога построена именно на этом. Художник в своём письме к брату Тео писал, что пытался показать крестьян, которые честно и тяжело трудятся.
Винсент Ван Гог, картина «Едоки картофеля», 1885 г.
Другие авторы, такие как Поль Сезанн, использовали натюрморт для того, чтобы показать возможности нового искусства. В «Натюрморте с драпировкой» художник намеренно искажает перспективу, чтобы сделать акцент на отказе от устаревших принципов построения натюрморта, на котором всё показано под одним углом.
Поль Сезанн, Натюрморт с драпировкой, 1895 г.
Елена Мартинович в статье для проекта Widewalls отмечает, что другие импрессионисты любили показывать социальных аспект совместного приема пищи, те эмоции, которые он несёт за собой. Знаменитая картина «Завтрак гребцов» Огюста Ренуара тому яркое подтверждение.
Огюст Ренуар, картина «Завтрак гребцов», 1880-1881
Еда в искусстве XX века
В XX веке художники деформируют линии, переосмысляют цвет, резкость изображения, работают с плоскостью, а значит, еда теряет свою форму и узнаваемость. Но это только одна сторона вопроса. То, что мы едим, позволяет художникам наблюдать за меняющимся обществом.
Картина американца Эдварда Хоппера «Столы для леди», написанная в 1930-м позволяет порассуждать о Великой депрессии, деньгах, классовости. Сцена показывает, как за столиком ресторана едят посетители, а две женщины – кассир и официантка – работают в зале. Тут стоит помнить, что не так давно эти профессии стали доступны для женщин, а «столы для леди» специально начали рекламировать: раньше женщина, обедающая одна, считалась проституткой.
Эдвард Хоппер, картина «Столы для леди», 1930 г.
Общество потребления
1/2
Уэйн Тибо, картина «Торты», 1963 г.
В середине 50-х художники столь же активно используют еду как способ высказаться, а в первую очередь обратить внимание на бездумное потребление и массовое производство. Энди Уорхол критикует однородное общество, используя 32 банки супов Campbell, выстроенные в ряды; Уэйн Тибо рисует торты, символизирующие нескончаемое оптимистичное процветание; Рой Лихтенштейн создаёт сюрреалистический «Натюрморт с хрустальной чашей» – на нём фрукты как будто вырезаны из журнала, лишены жизни.
В платье из мяса
С появлением движения «Есть искусство» в 60-х еда уходит с полотна и становится материалом для творчества, таким же, как бумага и карандаш. Так, чтобы подчеркнуть социальные коннотации еды, швейцарский художник Даниэль Спёрри создаёт картины-ловушки с объектами реальности: остатки трапезы крепятся к столу специальным спреем, а посуда и столовые приборы лакируются: стол превращался в картину.
Даниэль Спёрри, эстетика опрокинутого стола
Столь же изобретательна оказалась канадская художница Яна Стербак, которая в 1987 году сделала платье из сырого фланк стейка и назвала это: «Ванитас. Платье из мяса для анорексичного альбиноса». А сегодня бразильский художник Вик Мюнис заимствует образы из классической европейской живописи и делает копии из шоколада, икры или спагетти. Таким нас уже не удивишь.
1/3
Яна Стербак, «Ванитас. Платье из мяса для анорексичного альбиноса»
Другой способ обращения с едой выбрал тайский художник Риркит Тиравания.
Он создал перформанс «Без названия» в 1992 году. В Галерее 303 (Сохо) автор поставил кухню и кормил всех желающих тайским карри. Таким образом, еда в его прочтении стала средством социального взаимодействия: пришедшие могли общаться, быть активными участниками в создании художественного произведения.
Еда снова и снова вдохновляет людей искусства, и это будет продолжаться пока то и другое существует в мире.
Валерия Тёмкина
Всего:1
1
36861
Рассказать друзьям
Еда в искусстве | Журнал Artmajeur
НатюрмортНачался обратный отсчет до Рождества, так что мы не можем не думать о: разноцветных огнях, елке, вертепе, красных и золотых цветах, Деде Морозе, подарках и накрытых столах. На самом деле 25 декабря – это не только день, когда, помимо обещания стать лучше, происходит обмен подарками между друзьями и родственниками, но это еще и возможность накрыть богатые столы, за которыми собирается вся семья.
В результате в дни, предшествующие Рождеству, продовольственные рынки переполнены людьми, готовящимися устроить незабываемые запои. В мире искусства банкеты и рынки были широко исследованы изобразительными объектами, и среди многих выделяются: Свадебный банкет Амура и Психеи Рафаэля и рынок Вуччириа Ренато Гуттузо. Однако, несмотря на эти примеры, самая известная ассоциация между искусством и едой приняла форму натюрмортов, живописных изображений неодушевленных предметов, популярность которых особенно распространилась между концом шестнадцатого века и началом семнадцатого века, эпохами в которым был навязан вкус к менее требовательным предметам по сравнению с традиционными, такими как: историческая живопись, портреты и пейзажная живопись. Наибольшее развитие изобразительное изображение неодушевленных предметов получило в Северной Европе, так как протестантская религия запрещала изображать религиозные сюжеты. Однако в Италии первым, кто прославил жанр натюрморта, был Микеланджело Меризи, известный как Караваджо.
Рафаэль, Свадебный пир Амура и Психеи , 1517 г. Фреска, Рим: Вилла Фарнезина.
Ренато Гуттузо, Вуччирия , 1974. Холст, масло, 300 × 300 см. Палермо: Палаццо Стери.
Караваджо, Корзина с фруктами , 1597-1600 гг. Холст, масло, 46 × 64 см. Милан: Пинакотека Амброзиана.
Караваджо: Корзина фруктовCanestra di Frutta (Корзина с фруктами) Караваджо считается образцом жанра натюрморта в итальянском искусстве, ведь до этого шедевра неодушевленные предметы в основном изображались лишь как простые орнаменты и украшения. Следовательно, работа Меризи, в которой фрукт является главным героем, придает этому жанру новое достоинство, поднимая его на уровень фигуративной живописи. Сказанное, несомненно, обязано и живописному дарованию художника, сумевшего произвести настоящее реалистическое исследование изображаемого предмета, настолько, что сообщить даже его несовершенства. Что касается описания картины, то в центре работы помещена корзина из плетеной лозы, внутри которой лежат различные фрукты.
Этот предмет на голом нейтральном фоне опирается на деревянную плоскость, видимую только своими краями, которая проходит параллельно взгляду зрителя. В отличие от простоты оформления, фрукт прорисован с виртуозной точностью, так что видны его мельчайшие детали и дефекты, такие как дырочки и пыль. Наконец, изображая вещи такими, какими они нам кажутся, без всякого фильтра, Караваджо произвел революцию в способе изображения натюрморта.
Джорджио Моранди, Натюрморт , 1920. Холст, масло, 60,5 × 66,5 см. Милан: Художественная галерея Брера.
Джорджио Моранди: Натюрморт , 1920 г.Другим итальянским художником, который после Караваджо и многих других способствовал популярности натюрморта благодаря своему очень личному стилю, был Джорджио Моранди. Большая чувствительность Моранди, обогащенная изучением великих мастеров, в том числе особенно Поля Гогена, смогла превратить живописное изображение натюрморта в элегию существования. По сути, работы Джорджио Моранди, интроспективные и духовные, позволяли художнику копать поверхность видимого, чтобы искать нечто высшее и высшее.
Основными предметами натюрмортов Моранди являются бутылки, вазы, коробки, миски, кувшины и масляные лампы, рядом с которыми в некоторых случаях также размещаются фрукты или продукты. За всеми этими составляющими скрываются более глубокие смыслы, поскольку художник, боровшийся с эфемерностью и лишним, приписывал своим произведениям почти сакральную проработку и ритуальность исполнения. Поэтому натюрморты Моранди — не асептические изображения действительности, а свидетельства более глубокой истины, дошедшей до сути вещей. На самом деле объекты, заряженные вызывающей силой, заполняют его полотна, всегда занимая очень точное пространство, что является результатом долгого и четкого творческого процесса. В Natura morta (Натюрморт) 1920 года предметы, типичные для творчества Моранди, такие как бутылки и вазы, оставляют маргинальное место для фруктов, которые снова, кажется, рассматриваются как украшение, отведенное только в определенные места на картине.
Наталия Багатская, Просто нежные персики , 2021.
Холст, акрил/плакетка, 80 х 100 см.
Натюрморт по-прежнему остается ключевой темой в живописных исследованиях художников по всему миру, настолько, что коллекция Artmajeur полна работ, посвященных этому жанру. Например, на картине маслом Натальи Багатской с впечатляющей реалистичностью изображены персики, которые, кроме одного, находятся в целлофановом пакете. Именно эта последняя деталь делает работу художника из Artmajeur современным «ремейком» « Натюрморта с персиками и виноградными листьями » ломбарда Амброджо Фигино (1591-94). В связи с этим стоит отметить, что именно в Ломбардии, регионе северной Италии, появились первые итальянские образцы автономного натюрморта, то есть совершенно оторванного от образных контекстов других видов, что, скорее всего, служило в качестве модели для Канестры Караваджо.
Хосеп Мария Фонтанет Суреда, Mig canal de vedella , 2018. Бумага, масло, 75 x 55 см.
Натюрморт с тушой Фонтане Суреды, художника из Artmajeur, изображает предмет, столь дорогой для истории искусства, что такие художники, как Рембрандт, Сутин, Шагал и Бэкон, увековечили его, сделав его культовым. Художественная туша Artmajeur, благодаря своей гиперреалистичности, наиболее близка к той, что была сделана в 1655 году Рембрандтом и озаглавлена « Зарезанный бык ». На последней картине пространственное расположение живописного предмета вместе с присутствием женщины, обращенной к двери, кажутся незначительными по сравнению с величием мертвого тела, освещенного слева, в атмосфере караваджоподобной полутени. . В отличие от работы Рембрандта, работа Фонтане Суреды, в которой отсутствует пространственное сочетание изобразительного предмета и персонажей, сосредоточена исключительно на подчеркивании черт туши. Наконец, очень личная интерпретация художника Artmajeur отличается от шедевра голландского мастера расположением света, который в данном случае равномерно распределяется по исследуемому живописному предмету.
Art'Mony, Croquez la vie , 2021. Акриловая смола и коллаж, 35 x 30 x 30 см.
Art'Mony: Кроке ля виВ скульптуре художника Artmajeur Art'Mony яблоко, изображенное в родном для поп-арта стиле, трактуется как икона, как если бы это был предмет или личность, популярная в обществе потребления. Кроме того, укус, присутствующий на поверхности работы, может намекать на логотип Apple, катапультируя нас прямо в современный мир. С другой стороны, что касается истории искусства, знаменитая скульптура с изображением яблока под названием «Реинтегрированное яблоко » была создана в 2015 году известным представителем арте повера Микеланджело Пистолетто. Эта работа, которая нашла свое место на знаменитой площади миланского вокзала, несет на своей поверхности большой шрам, как будто после укуса художник починил ее. Наконец, скульптура итальянского художника также скрывает символическое значение, так как укус, теперь скрытый, представлял бы отделение от человека к природе, которая способствовала рождению искусственного мира.
Краткая история еды как искусства | Путешествие
Ролл с лобстером , 2013 | Джина Биверс Предоставлено Джиной Биверс Натюрморт с персиками и грушами , 1888-1890 | Поль Сезанн Музей Пушкина, Москва, Россия / Bridgeman Images Большой S'more , 2015 | Дженнифер Коутс Предоставлено Дженнифер Коутс Натюрморт с устрицами и виноградом , 1653 | Ян Давидс. де Хем Digital Image 2017 Museum Associates / LACMA / Лицензия Art Resource, Нью-Йорк Адмирал , 16 век | Джузеппе Арчимбольдо Частная коллекция / Изображения Бриджмена Филиппо Томмазо Маринетти был первым художником современности, который думал о приготовлении и употреблении пищи как об искусстве.
Авангардное футуристическое движение, созданное Маринетти и другими художниками в Милане в 1909, охватила индустриальную эпоху и все, что связано с механикой — от автомобилей и самолетов до методов производства и городского планирования. Они считали, что приготовление пищи и прием пищи, столь важные для повседневной жизни каждого человека, также должны быть центральными элементами их дальновидных и далеких идеалов.
В 1932 году Маринетти опубликовал Поваренную книгу футуристов . Это был не просто набор рецептов; это был своего рода манифест. Он назвал приготовление и потребление пищи частью нового мировоззрения, в котором развлечение стало авангардным представлением. В книге прописаны необходимые элементы для идеального обеда. Такая трапеза должна была отличаться оригинальностью, гармонией, скульптурной формой, ароматом, музыкой между блюдами, сочетанием блюд и небольшими канапе с разными вкусами. Повар должен был использовать высокотехнологичное оборудование для приготовления еды.
Нельзя было обсуждать политику, а пищу нужно было готовить так, чтобы для ее употребления не требовалось столового серебра.
Размышления Маринетти не могли предсказать, какую роль еда сыграет в искусстве почти столетие спустя. Современные художники использовали еду, чтобы делать заявления: политические (особенно феминистские), экономические и социальные. Они открывали рестораны как арт-проекты, устраивали перформансы, в которых еда готовилась и подавалась в галереях, и создавали сложные скульптуры из съедобных материалов, таких как шоколад и сыр. Каким бы ужасающим это ни казалось Маринетти, некоторые художники сегодня даже воспринимают еду как отказ от всех и всего, что одержимо будущим.
Оглядываясь назад, еда всегда играла важную роль в искусстве: пещерные художники каменного века использовали растительный сок и животные жиры в качестве связующих ингредиентов в своих красках, а египтяне вырезали пиктограммы урожая и хлеба на иероглифических табличках. В эпоху Возрождения Джузеппе Арчимбольдо, художник при дворе Габсбургов в Вене, а затем и при Королевском дворе в Праге, рисовал причудливые портреты, похожие на головоломки, в которых черты лица были составлены из фруктов, овощей и цветов.
Когда я думаю о еде и искусстве, я интуитивно вспоминаю большие красивые натюрморты золотого века Голландии, с которыми я впервые столкнулся на уроке истории искусств северного Возрождения. В этих великолепных картинах каждая поверхность, от блестящих перьев утиных туш на блестящих серебряных тарелках до влажной кожуры фруктов и ягод, тщательно прорисована, чтобы создать иллюзию того, что пир находится прямо перед зрителем. В 1600-х годах такие картины свидетельствовали о богатстве и интеллектуальной деятельности владельцев. Изображенные продукты имели символическое значение, часто связанное с библейскими текстами, а то, как предметы были расположены — и какие предметы были съедены — передавали сообщение о быстротечности времени или необходимости воздержания.
Будучи молодым художником, я изучал массивные изображения яблок и апельсинов Сезанна. Для художников-постимпрессионистов, таких как Сезанн, наблюдение с натуры было лишь началом во многом творческого процесса. Они предпочитали яркий цвет и живые мазки гиперреализму прошлого.
В эпоху поп-арта еда стала социальной метафорой. Уэйн Тибо раскрасил ряды пирогов и пирожных в яркие пастельные тона, что напомнило рекламу и детские игрушки. Его аранжировки, представленные скорее как витрины в закусочной, чем как домашние черты частной жизни, отражали странствующее общество, в котором роскошные десерты означали американское изобилие.
Примерно в то же время художники начали использовать настоящую еду в качестве художественного материала. В 1970 году сардонический швейцарско-немецкий художник Дитер Рот, также известный как Дитер Рот, создал произведение под названием «Основной сыр (гонка)» — каламбур на «бег с препятствиями», в котором было 37 чемоданов, наполненных сыром и другими прессованными сырами. на стены с намерением, чтобы они капали или «мчались» к полу. Через несколько дней после открытия выставки в Лос-Анджелесе от выставки исходило невыносимое зловоние. Галерея была наводнена личинками и мухами, и санитарные инспекторы пригрозили закрыть ее.
Художник заявил, что насекомые на самом деле были его целевой аудиторией.
Художницы-феминистки конца 1960-х и начала 1970-х рассматривали отношение американцев к еде с точки зрения ограничений, которые она налагала на женщин. Феминистки утверждали, что личное, включая самые обыденные аспекты повседневной жизни, является политическим. В 1972 году Мириам Шапиро и Джуди Чикаго арендовали пустой 17-комнатный дом в Лос-Анджелесе, который планировалось снести, и превратили его в огромную художественную инсталляцию. Шапиро и другие художницы создали иммерсивную инсталляцию в столовой, имитирующую процесс, которому девочки следуют при украшении кукольных домиков. Их проект, одновременно перформанс и инсталляция, осуждал двойные стандарты общества — несоответствие ожиданий и возможностей мужчин и женщин. В то время как мальчиков обучали преуспевать в мире, девочки должны были вести домашнее хозяйство для своих мужей. Позже художницы-феминистки, такие как Элизабет Мюррей, предполагали, что женщины достаточно сильны, чтобы справляться как с мирскими, так и с домашними делами, в таких работах, как «Кухонная живопись» (19).
85), на котором круглая ложка, привязанная к фигуре, управляющей кухней, кажется вылетающей из плоскости картины и противостоящей зрителю.
В 1974 году Чикаго снова обыграла тему столовой, начав «Званый ужин» — концептуальный шедевр, который сейчас находится в Центре феминистского искусства Элизабет А. Саклер в Бруклинском музее. С командой талантливых мастеров в течение нескольких лет Чикаго изготовил треугольный обеденный стол длиной 48 футов с сервировкой для 39 человек.известные в культурном отношении женщины, некоторые реальные, а некоторые мифические, от доисторических времен до современного женского движения. Каждый набор включает в себя салфетку ручной работы, керамическую тарелку, кубок и дорожку, все с иконографией, созданной специально для конкретной женщины. По мере того, как линия времени приближается к настоящему, пластины становятся все более и более трехмерными, символизируя растущую свободу и политическую власть женщин.
В течение 1990-х годов многие художники приспособились к личному отчуждению, которое возникло в результате появления домашнего компьютера и других действий, связанных с экраном.
Чтобы исправить зарождающуюся аномию, некоторые из них открыли дисциплину «реляционной эстетики» — теперь известной менее непрозрачно как «социальная скульптура», — согласно которой человеческое взаимодействие, включая совместный прием пищи, рассматривалось как форма искусства сама по себе. Одним из самых известных практиков был Риркрит Тиравания, который начал готовить и подавать еду зрителям в галереях, оставляя кастрюли, сковородки и грязную посуду в галерее на время своих выставок.
Сегодня начинающие художники все еще учатся рисовать натюрморты из фруктов и овощей. Многие позже отказываются от живописи, чтобы заняться новыми, более экспериментальными средствами, но художники, ориентированные на еду, часто продолжают верить в силу пигмента на холсте. Хорошими примерами являются художники из Нью-Йорка Джина Биверс, Уолтер Робинсон и Дженнифер Коутс. Биверс прочесывает Интернет в поисках фотографий еды, которые затем объединяет в коллажи из нескольких изображений и картины на больших холстах.
Робинсон озабочен виски, чизбургерами и другими предметами вожделения. Коутс фокусируется на нездоровой пище, создавая картины, на которых сморы, макароны с сыром и пицца приобретают абстрактные формы. В целом, в современном фуд-арте существует здоровое противоречие между традицией и иконоборчеством. Спустя примерно 85 лет после публикации кулинарная книга Маринетти все еще опережает события, хотя, возможно, и не слишком далеко.
Арчимбольдо
Рекомендуемые видео
Увлечение едой в истории искусства
Являясь краеугольным камнем нашего существования, еда всегда играла значительную роль в нашем социальном и культурном образе жизни. Таким образом, неудивительно, что изображение еды в искусстве охватывает разные культуры и всю записанную историю человечества. Появляясь во множестве контекстов, эта практика восходит к годам Древней Греции и Рима 9.0046, где пиры и вакханалии пожирали страсти, воспетые в литературе, живописи и мозаике.
Рисунки еды также можно было найти внутри египетских пирамид . Считалось, что эти рисунки, созданные на внутренних стенах погребальных камер и на гробах для изображения всего хорошего, ожидающего усопшего, благодаря магическим свойствам питают тех, кто ушел в загробный мир. Повторяющаяся тема от Средневековья и Ренессанса до наших дней, еда изображалась как празднование темы, самой композиции или метафоры. Служа ли они символическим целям, являясь аллегорией определенных добродетелей или ценностей или подчеркивая эротизм, экзотику или богатство, эти картины с едой часто использовались , чтобы показать что-то еще . Поскольку еда тесно связана с большинством аспектов нашей жизни, эта съедобная история искусства также связана с более крупными темами, такими как политика, пол, религия или класс.
Слева: Энн Костер Валлайер — Чаша белого супа, 1771, via pinterest.com / Справа: Антонио Лопес Гарсия — Ужин.
Подписи через Creative Commons Краткая история еды в западном искусстве
В пятнадцатом веке художники все больше черпали вдохновение в культура древности и с мир природы и начали изображать различные натюрморты как в религиозных, так и в светских образах. Еда была основным источником вдохновения, и с помощью этих натюрмортов художники пытались заморозить момент времени в наиболее реалистичной перспективе, но также продемонстрировать виртуозное умение наблюдать и описывать цвет, форму и текстуру. В то время как одни полотна изображают застолье как экстравагантное проявление удовольствий, другие апеллируют к трезвости и воздержанию. Чаще, чем часто, еда разносилась символическое значение или аллюзия на тему картины. Представляя определенные черты, достоинства или ценности, эта символика еды и питья в основном уходит своими корнями в классическую литературу и язычество. [1]
Хуан Санчес Котан - Натюрморт с айвой, капустой, дыней и огурцом, 1602-1603 гг.
Подписи через Creative Commons Натюрморт как жанр
К семнадцатому веку мир искусства заинтересовался научным исследованием, и натюрморт независимый жанр , особенно в Нидерландах, Италии и Испании. Как один из самых популярных предметов, еда была изображена с изысканным реализмом и детализацией . В авангарде были голландские и фламандские мастера, которые изображали обильные и роскошные блюда, такие как дичь, птица, омары, моллюски, экзотические цитрусовые или драгоценный виноград. Эти дорогие деликатесы ассоциировались с привилегированным образом жизни, с которым хотел себя идентифицировать владелец картины. Тем не менее, этот образ иногда также служил напоминанием о преходящая природа роскоши или опасности чревоугодия . С другой стороны, известный художник Вермеер пошел другим путем, чем его голландские современники. В своей знаменитой картине еды «Доярка » он использовал дорогие пигменты, насыщенные цвета и исключительное освещение, чтобы нарисовать самые распространенные продукты — молоко и хлеб.
Символическая сила такого рода образов сохранилась до восемнадцатого века, даже когда популярность жанровой живописи в Нидерландах пошла на убыль. [2]
Ян Давидс де Хем - Натюрморт с ветчиной, лобстером и фруктами, около 1653 года. Подписи через Creative Commons
Еда и реальная жизнь
К концу 19 века художники начали передавать моменты из реальной жизни . На них изображено человек, общающихся вокруг еды или скромных людей , таких как крестьяне и фермеры, которые едят свою простую пищу, например, Винсент Ван Гог на своей картине Едоки картофеля 1885 года. Другие художники-модернисты, такие как Сезанн, использовали жанр натюрморта для продвижения вперед. идеи о том, что современное искусство могло бы выглядеть. Его натюрморты рассматриваются как смесь традиционного и современного: хотя фрукты и овощи в его произведениях легко идентифицировать, они выглядят как предметы декора.
Некоторые другие художники-импрессионисты изображали гармоничные сцены коллективных обедов, все в тонкости, утонченности и восторге, раскрывая социальный аспект еды. В таких произведениях, как картина Мане «Завтрак на траве» или картина Ренуара «Завтрак на лодке» , приятное безделье ощутимо, а еда представлена как центральный элемент сцены.
Винсент Ван Гог - Едоки картофеля, 1885. Субтитры через Creative Commons
Изображение еды в современном искусстве
В ХХ веке натюрморты следовали тенденциям неодадаизма, кубизма и абстрактного экспрессионизма и стали менее фигуративными. Художники искажали линии, сопоставляли плоскости, убирали глубину резкости, заново изобретали цвет, и еда теряла форму и вкус. Они тоже хотели созерцать изменяющийся характер общества и еда стали отличным предметом для комментариев. Картина Эдварда Хоппера Столы для девочек из 1930 года комментирует несколько вопросов эпохи депрессии , таких как деньги, голод, пол и класс.
Сцена показывает двух посетителей, обедающих вне дома, что не каждый мог себе позволить в то время, а также кассиршу и официантку, обе женщины в новых ролях вне дома.
Еда в обществе потребления
С экономическим развитием и приходом потребительства в середине двадцатого века художники поп-музыки начали внедрять обычные предметы быта в высокое искусство. Часто рассматриваемые как критика потребительства и потребительской культуры, изображения продуктов массового производства были опорой современных художников по всему миру. Известный поп-артист Уорхол критиковал рост однородного общества в своих 32 банках с супом Campbell’s 1962 года, расположенных рядом друг с другом в линейной монотонной непрерывности. Лихтенштейна Натюрморт с хрустальной чашей из 1973 года кажется сюрреалистичным, как будто фрукты в чаше вырезаны из журнала или комикса, полностью фальшивые и нереальные. Картины Уэйна Тибо, изображающие прилавки для тортов, олицетворяли оптимистический дух бесконечного процветания.
Художники-фотореалисты, такие как американский художник Ральф Гоингс, высмеивали технику рекламы. Выбрав интенсивное освещение и увеличив цветовой контраст, он сделал еду похожей на пластик, совершенно неестественной. [3]
Слева: Рой Лихтенштейн — Натюрморт с хрустальной чашей, через scottzagar.com / Справа: Уэйн Тибо — Торты, 1963 г.
Движение «Ешьте искусство»
С появлением в 1960-х годах нового движения под названием « «Ешьте искусство» » еда вышла из холста и стала таким же материалом, как краска, карандаш или бумага. Еда использовалась различными способами для создания эфемерного искусства . Чтобы подчеркнуть социальную подоплеку совместного приема пищи и перенести ее банальность в область высокого искусства, художник Даниэль Спёрри создал tableaux-pièges, оставив остатки еды на столе и зафиксировав их специальным спреем, чтобы они могли прилипнуть. на салфетку и быть выставленным на стене.
Яна Стербак создала платье из шестидесяти фунтов сырого бифштекса под названием Vanitas: Платье из плоти для анорексички-альбиноса , чтобы сделать визуальное заявление о еде и человечестве. Бразильский художник Вик Мунис часто заимствовал образы классической европейской живописи и изображал их из шоколада, икры или спагетти. Тайский художник Риркрит Тиравания использовал еду в более перформативном смысле. В 1990-х он устраивал инсценировки, где готовил тайскую еду и кормил всех, кто приходил в галерею. Таким образом, еда стала средство для социального взаимодействия , а посетители, которые едят и общаются, становятся активными участниками художественного произведения. [4]
Слева: Яна Стербак — Ванитас, платье из плоти для анорексички-альбиноса, 1987 / Справа: Вик Муниз — фото в движении, после Ханса Намута, via vikmuniz.com
Еда как жизнь
Еда во многих ее формах, от создания до сбора или захвата, приготовления и потребления, является доминирующим фактором в нашей жизни.
Из еды Бэкона Фигурка с мясом , где сырая туша животного используется для стимуляции обоняния для художников, таких как Кара Уокер, которая создала женскую скульптуру в сахарной глазури, которая затрагивает глобализацию, империализм и рабство, способность еды создавать межкультурный диалог или служить инструментом для социального комментария , по-прежнему преобладает в современном искусстве . Образы еды воссоздаются снова и снова в бесчисленных композиционных интерпретациях, и, без сомнения, они останутся таковыми до тех пор, пока в мире существуют искусство и еда 9.0046 .
Совет редактора: Еда в искусстве: от предыстории до эпохи Возрождения Джиллиан Райли
От картины Джузеппе Арчимбольдо, изображающей императора Священной Римской империи Рудольфа II в виде кучи фруктов и овощей, до художников, изображающих щедрые банкеты для богатых покровителей, еда и искусство удивительным образом переплетаются. В этой богато иллюстрированной книге Джиллиан Райли дает свежий взгляд на то, как отношения между людьми и едой изображались в искусстве с древних времен до эпохи Возрождения.
Исследуя множество изображений, включая сцены охоты, изображенные в египетских Часовниках, и фрукты в римских настенных росписях и мозаиках, Райли утверждает, что произведения искусства представляют нам историческую информацию о приготовлении и хранении пищи, которой нет в письменных источниках. Глядя на многочисленные связи между едой, мифом и религией, она исследует множество произведений искусства, чтобы понять, не искажается ли наше восприятие фруктов их символическим значением.
Каталожные номера:
- Хирш Лент, М. (2016) Тайное значение еды в искусстве. Смитсоновский институт
- Меагер, Дж. (2012) Еда и напитки в европейской живописи, 14:00-18:00. Хайльбрунн Хронология истории искусств
- Gauvreau, D. Долгая история еды в искусстве. Художественные репродукции Аарона [7 декабря 2016 г.]
- Хилс Орфорд, Э. (2013) Еда в искусстве – взгляд на художественное использование еды на протяжении тысячелетий.
